Doué et intelligent : est-ce que ça va de pair avec intégrité artistique ? La route est périlleuse ! En Gwada nous n’avons pas encore la lucidité alliée à la parfaite expertise pour juger d’une œuvre musicale relevant d’une volonté définie d’ouvrir à une modernité via un héritage folklorique.

Venir du jazz le plus élaboré et le plus au goût du jour et vouloir aller en noces avec le gwoka le plus originel est une tentative qui ne peut être menée à bien par un simple exercice individuel. Les musiques afro-américaines dont les branches couvrent plusieurs pays se sont déployées de façons diverses. Les accents les plus riches issus de la rencontre de la musique tant européenne qu’africaine peuvent donner en ces lieux un chant dit national ou original (voir le gwoka moderne de Gérard Lockel).

De nos jours les essais musicaux de la branche brésilienne, ou bien de la cubaine, avec celle des Etats-Unis plus clairement jazz, ont été menés à bien car plusieurs facteurs se sont conjugués : l’humain, le géographique, l’historique, l’économique et l’esthétique. Vouloir en faire de même avec le gwoka relève de l’impossible car pour ce qui est de l’humain, de qui parlons nous : d’une population restreinte, de même pour la géographie, un territoire limité, ainsi que pour l’histoire très différente, où là peut-être un brin et c’est discutable. Quant à l’économique, ne rêvons pas, il n’y a pas de fondement si ce n’est celui de Universal en quête de marché.

Prenons exemple sur les cubains qui ont pu faire dire au mambo sa vertu jazz en lui extirpant son accent congo. Quand au gwoka qui n’appartient à aucun culte il va falloir lui en inventer un, mais avec quels fidèles ? Nos religieux sont dans les sectes évangélistes.

L’album « Sone Ka la » ne sonne que le jazz, et l’un des plus beaux jazz ; c’est cette voie que Brother Jacques devrait emprunter car nous le savons par maints exemples, la grandeur du jazz c’est sa dimension flexible qui se donne à tous, partout et ailleurs. Le gwoka pour l’instant c’est encore notre petit tout, qui veut beaucoup mais peut peu, à l’image de Gwada.

Les sirènes s’efforceront de nous faire croire le contraire mais seuls les faibles d’esprit et de culture se laisseront prendre à cette carte universelle (Universal), qui se joue selon un plan marketing propre, évalué au chiffre. Les ventes devraient suivre pour cet album, puisque les esprits, selon la vision de Patrick Le Lay, ont été formatés pour faire au produit une place de choix dans vos discothèques, mais après cette sortie si claironnée à la limite du rejet.

Qu’en sera-t-il de cet album, le réentendra t’on ?
Les morceaux les plus jazz qu’il comporte… Oui ! Les autres seront dans l’oubli et à la trappe car ils sont en surface alors qu’ils voulaient être immortels.

Brother Jacques, there you failed, and your friends in the States such as Stephanie McKay, are going a deeper way in their own culture, for which they have great respect, in works with Carl Hancock Rux for example in his albums. Check them out and go their way in a definition where folklore belongs to an absurd past and does not mean anything anymore when the present and the future are at stake and so necessary in a search for a new formula.

Il faut savoir partir : Monsieur Henri nous dit adieu avec l’élégance musicale qui convient à sa carrière dont le parcours est Paris/Brésil/USA. Pour un guyanais teinté de guadeloupéen, il sort du lot grâce à une qualité majeure pour un artiste : la flexibilité joviale, qui est le divin « masko ».

Clown génial à l’égal de Louis Armstrong ou Cab Calloway, il a toujours donné sur scène une couleur saltimbanque à sa prestation, qui tient du bois et du sable. Une certaine pudeur insolente !

Homme du rire, au service de notre rire, qui se déclenche par instinct de communication conviviale, Henri Salvador s’est toujours prêté avec humilité à cet état ou exercice qui nous permettait de le suivre avec un sentiment de complicité douteuse à son endroit, devinant sa ruse.

Chanteur pour qui la voix est une clef de Sésame vers notre cœur et pour notre plaisir, il se range dans les jardins d’hiver de Frank Sinatra et de Nat King Cole.

Modeste, il se laisse dire avec humour que la bossa nova vient de l’écoute par Antonio Carlos Jobim de sa chanson « dans mon île ». Et là on comprend mieux la corde brésilienne via Cayenne, de son arc musical.

Troubadour de charme, de sucre, comme tous les plus fameux chanteurs latino-américains, il distille le miel qui ravit les femmes et encore plus quand il se fait jazz ou blues comme les plus grands des showmen afro-américains. Un monument au centre de ce triangle d’or musical Brésil/Paris/New-York qui s’impose aux oreilles.

Avec humour son, peut-être, ultime album s’intitule « Révérence » de quoi la tirer en douce, au son de son rire désopilant et hilarant nous laissant désarmé. Enregistré à Rio par une bande de musiciens brésiliens sous la direction musicale du fameux et superbe arrangeur Jaques Morelembaum, violoncelliste hors-pair, c’est un voyage puisant dans sa riche vie musicale : une sorte de cocktail plein de couleurs où tous les jalons de son parcours du triangle sont en place. Une œuvre testament pour un homme pour qui le plaisir de vivre est dans le plaisir de jouer et de chanter.

Caraïbe par sa mère, il est en fait un amérindien, dont l’âme se laisse deviner parfois dans la douceur de ses chants nostalgiques d’un bonheur perdu ou disparu. C’est souvent une confession douce-amère effacée avec pudeur par un rire rabelaisien ou un rictus de gène timide. Souvent aussi une tristesse suintant le malheur asséné à cette Amérique dépecée et morcelée, ici aux Antilles, en Guyane et surtout au Brésil .Il transcendera son infortune ontologique par le charme conquérant de son talent dans les années 40 avec Ray Ventura en visite au Brésil réduisant à néant toute considération agressive. Des classes faites et réussies en face d’un public peu sensible à l’époque aux prestations d’un artiste de couleur. A Rio, oui, ce qui pourrait sembler étonnant, mais il en relève de notre ignorance d’un Brésil très affecté par les problèmes de couleur en fait des versions sociales non résolues encore à ce jour.

Pour cet ultime album il fait appel à deux vaillants chanteurs brésiliens, Caetano Veloso et Gilberto Gil ; il nous offre deux pierres précieuses avec ces rebelles aujourd’hui reconnus et honorés par cette société en formation du régime de Lula attaché à l’émergence du Tout Brésil. Lula le décorera de l’ordre du mérite brésilien en 2005.

C’est une touche sensible de notre crooner qui sans en avoir l’air nous fait voir l’essentiel se cachant sous le masque de ce que nous désignons arbitrairement sous l’appellation : musique de variété. Il faudra bien un jour décrypter les messages cachés et subtils de tous ces chanteurs ou plutôt griots du monde musical afro-américains. Là vivent et s’expriment ces poètes qui disent fort et bien ce monde ignoré et méprisé, héritage de la conquête coloniale. Pas un seul pays américain qui n’ait eu son âme détruite par une culture européenne dominante, fascisante et se voulant fascinante.

Henri et bien d’autres, des milliers, pourvoient à ce que ces cultures à travers leurs expressions musicales se fassent entendre et témoignent suavement ou violemment du génocide culturel. De par l’histoire que nous partageons et qui nous a fragmentés en nous teintant d’un occidentalisme généreux qui nous donne aussi curieusement l’épée pour ouvrir le crane et y mettre en retour l’essentiel de l’humain : la considération de l’autre.

Monsieur Salvador en se voulant brésilien chasse tous ces miasmes dégradants de nos esprits et de nos cœurs car en se découvrant ainsi il offre à tous la joie et le plaisir. Conquérir le conquérant et l’élever c’est là le plaisir suprême du conquis (Les armes de conquête étant inégales).

Et puis aux chagrins qui le trouveraient trop français, pas assez américain, un peu trop brésilien et pas du tout antillais, on pourrait répondre qu’il n’a fait que suivre les principes du manifeste culturel cannibale décliné en 1924 par le brésilien Oswaldo de Andrade, préconisant de dévorer tout ce qui est autre afin de faire naître un soi-même original. C’est tout le Brésil. Philosophie qui donnera le tropicalisme porté haut et fort contre la dictature militaire par Caetano Veloso et Gilberto Gil dans les années 70 et qui amènera par une action culturelle de conscience toute une génération de jeunes artistes à occuper les lieux de communication et à permettre l’arrivée au pouvoir de Lula ,le vrai Brésil ,quoi, dont Gilberto Gil est le ministre de la culture.

Salvador a quelque part procédé de la sorte de par sa guyanité, absorbant tout dans le triangle et en rendant un autre tout à nous tous et se déclarant sud-américain.

Merci Henri, à bientôt.

A l’écoute du Miles Davis des années 70 ou du Coltrane de ces mêmes années, du Dizzy Gillespie des années 40, du Parker des mêmes années et du Louis Armstrong des années 20, on sent le souffle indompté du chant dionysiaque.

Il ne s’agit plus de jazz selon les critères académiques que l’Occident s’efforce d’appliquer pour mieux juguler et castrer cette inextinguible force tellurique qui est une expression vitale reçue du cosmos.

Toute musique qui ne porte pas en elle cette force n’est qu’amusement au plus grand contentement du pouvoir en place qui a en horreur ce panthéisme joyeux.

Mieux vaut Thanatos qu’Eros aux yeux des puissants qui règnent.

Si votre philosophie est celle de Diogène c’est-à-dire contre toutes les sujétions, alors en ce qui concerne la musique, mettez-vous en osmose avec ceux des musiciens qui sont des créateurs et des rebelles par la même envolée.

Ces musiques que nous évoquons sont difficiles et leur écoute, du fait que nos oreilles subissent un constant barbouillage radiophonique dégradant, doivent exercer un effort d’ouverture comme celui qui est nécessaire pour découvrir un trésor profondément enfoui.

On parle avec mépris des primitifs dont on n’écoute jamais la musique avec attention, comme si leur pureté nous écorchait les tympans et encore mieux, on refuse aux créateurs qui traduisent ce monde musical qui nous vient de la Terre, toute existence, tant ils dérangent. Stockhausen, Messiaen, Miles Davis et tant d’autres ne sont jamais sur les ondes comme s’ils étaient des fantômes effrayants et itinérants.

Et pourtant avec ceux-là se trouvent les codes de notre monde.

Il faut, et nous le disons impérativement, se décrasser l’oreille et l’enrichir. Pour ce faire, écouter le dernier album réédité de Miles Davis : « The Cellar Door Sessions », 1970, six CDs enregistrés au club de Washington D.C. the Cellar Door du 16 au 19 décembre 1970 et sortis en fin 2005 avec. Miles y est accompagné de Gary Bartz (soprano et alto sax), John McLaughlin (guitare), Keith Jarrett (Fender Rhodes, piano électrique, orgue Fender électrique), Michael Henderson (basse électrique), Jack DeJohnette (batterie) et Airto Moreira (percussion).

Miles est passé de l’autre côté du Rubicon et est devenu messager d’une musique cosmique, tellurienne, africaine et qui rompt totalement avec les canons occidentaux. Ce n’est plus le Miles de « Kind of Blue » mais un hougan nommé Sivad Selim.

Une nouvelle musique dans l’air du temps rock qui se veut être une variation circulaire en tambour africain. Révolution et évolution a contrario de tout le jazz du moment, des années 1970 jusqu’à aujourd’hui et au-delà. A écouter en boucle et sans modération. L’exercice sera hautement profitable et par bonheur au détriment de toute cette purée que l’on vous propose sur les ondes comme musique dite world.

En ces années 1968 – 1975, cruciales par leurs attendus musicaux et leurs positions sociales révolutionnaires, Miles Davis va se trouver comme un poisson dans l’eau du Mississipi ou de l’Hudson pour mettre en harmonie son tempérament rebelle à ces nouveaux courants.

Dégoûté du système régnant dans le circuit du jazz où on se produit comme au cirque, Miles regarde ailleurs et particulièrement vers le mouvement de la jeunesse américaine qui envoie aux orties les anciennes et convenables attitudes musicales.

Attiré par le mouvement culturel noir en éveil identitaire et le mouvement flower people de la jeunesse blanche qui puise à tous bras dans le blues et la musique populaire noire, Miles en comprend l’essence et se met au parfum selon ses propres normes. Il se produira désormais en des lieux où cette jeunesse construit ses propres cavernes de jouissance, tels Fillmore East ou West, et donnera à ses albums un graphisme psychédélique très relié aux drogues.

Miles se portera en avant défiant tous les modes et imposant la sienne tel un Phoenix. Incompris des noirs et des blancs il ira, imperturbable, sur ce chemin solitaire, forçant la main à sa maison de disque Columbia, inventant une musique autre par la forme et le fond. Une forme inédite sans début ni fin aux découpages inattendus un fond qui mélange électronique, rythmes forcenés d’inspiration africaine, indienne aux recherches d’avant-garde de Stockhausen ou de Steve Riley.

Une musique au-delà des musiques reconnues, un univers rebelle et ardent qui se veut à lui seul un tout-disant de la musique noire, soit-elle comprise ou pas.

Du pur Miles ! Unreconstructed !

Le Concert de l’Isle de Wight est le point de passage vers ce qui est pour Miles le Rubicon vers l’électrique où Jimi Hendrix lui permettra de donner à sa trompette une dimension hautement pop, celle de la guitare électrique wawa. Un passeport vers un autre monde de liberté.

C’était le 29 Août 1970. Tout a basculé et Miles Davis est devenu Selim Sivad.

Recréer en jazz ce qui s’est fait ailleurs par exemple : aux Etats-Unis, en métropole ou encore dans d’autres ailleurs musicaux, relève d’une totale méconnaissance de ce que le jazz est par définition…

Le jazz n’est pas une recréation, même si cet aspect est martelé par le pouvoir culturel officiel depuis plus d’un siècle et que nous avons adopté cette vision récréative.

C’est d’abord une expression première sur une situation vécue, quelle que soit la nature des émotions ressenties, soient-elles douloureuses ou plaisantes…

Dans les champs de coton, dans les maisons de plantation, c’est la vie de tous les jours avec ses peines et ses plaisirs qui étaient relatée par la voix ou le banjo.

Le jazz ou le blues ne sont pas, comme on a voulu nous le dire (cherchez qui est le on), que de la tristesse ou de la nostalgie, mais uniquement des discours musicaux sur le quotidien vécu qu’il soit plaisant ou cruel. C’est la vision blanche et officielle qui a chosifié ces expressions pour les rendre inoffensives et vides de sens rebelle ou social. Comme Miles le disait sur le blues « it’s a whiteman thing », pour désamorcer l’horreur du système esclavagiste.

Alors si ici, en faisant du jazz on fait le jazz des autres mêmes noirs, on en trahit l’esprit primordial qui est de faire et de dire son truc tant par la forme que sur le fond.

De plus quand tu parles de toi en mode jazz (si tu veux), dis le avec plaisir et humour même si tu parles de choses dures et terribles mais mets en finale l’ironie qui te sauvera de l’amertume. Le « kip ».

Si encore mieux sur ton propre mode Gwo Ka, biguine, ou tout autre mode que tu peux inventer, laisses, dis ce qui vient de toi. Sois vrai et honnête, ne triches pas !

Prends exemple sur Gérard Lockel qui, si tu écoutes bien, n’est pas que pratiquant d’un seul mode le Gwoka mais tout d’abord un pratiquant de musique libre. Ainsi laisse ton oreille être envahie par la pièce Toumblack Mode N° 4 dans l’album Gwo Ka Modènn, en concert aux Banlieues bleues à la Courneuve le 28 mars 1997.

Ecoutez à dit le Seigneur et vous verrez la lumière !

Ce qui est remarquable avec le jazz, c’est sa verdeur, qui se joue du temps, en un mot son intemporalité. Hier, aujourd’hui, demain, et alors, ce qui compte et pas pour du beurre, c’est l’expression et la créativité dans la praxis. Musique existentialiste s’il en est, qui se moque du convenable ou du convenu. Une constante remise en question de la forme et du fond ; le spectre est si large que le fan de jazz a du mal à suivre la richesse et la diversité des propositions d’autant plus que sorti du cadre purement afro-américain le jazz est maintenant universel.

C’est son esthétique et son éthique qui s’imposent en une symbiose décapante du fait de son tout-monde, comme dirait Edouard Glissant.

Un exemple entre autres, et il y en a à l’infini, ce couple musical atypique de Jeanne Lee, chanteuse free et de Ran Blake, pianiste d’essence classique, formé en cet hiver 1961 à New York City, composant un album intitulé « The newest sound around ». Ce bijou qui brise les paradigmes éculés du moment a du mal à s’imposer et seuls quelques curieux de par le monde reconnaissent une œuvre rare, dense et transcendante.

Ran Blake qui de son poste de Chairman du Third Stream Department du New England Conservatory, est un familier des musiques d’avant-garde, genre Stockhausen ou John Cage, aussi bien que du blues, des gospels et du jazz, va se mettre à nu sur cette expérience hors du commun. Sont siennes des expériences multiples d’expressions musicales dont entre autres celles de la pure liberté d’improvisation sur des films de Chabrol ou de Marguerite Duras, dont il assure la partie pianistique, comme on le faisait au début du siècle sur les films muets. On le voit ce mec c’est pas de la tarte. Homme de toutes les rencontres ! Mélange des genres et audace tous azimuts dans ses impro-solis, où sur un thème connu, il fait arriver Ravel, du jazz, et se permet une touche mineure chinoise laissant notre esprit vagabonder sur le son du monde. Ici comme accompagnateur mais plutôt comme intelligence supérieure de raffinement harmonique il se lie et se met en communion avec Jeanne Lee.

Un timbre, un son placé très bas, une voix pleine de douceur et de sensualité telles sont les atouts de cette chanteuse dont l’attirance pour des musiques nouvelles dites free est indéniable, mais renvoyant immanquablement aux grandes du blues, toujours les nécessaires maternelles qui pansaient les affres du ghetto pour des paumés de la vie, telles Bessie Smith ou Ma Rainey. Hier, aujourd’hui et demain, tel est le spectre du chant Lee.

Respectueux tous deux des traditions mais étourdis par les éclairs musicaux fugaces et perçants du moment, enivrés par les parfums sonores de ces années 1960 où l’imagination, la révolte se devinent dans les temps à venir. Les Etats-Unis sont en ébullition et la société va dire autre chose sur elle-même, ainsi alors cet autre discours qui sortira de la collaboration de ces deux artistes. Un masculin plus un féminin, un blanc plus une noire, le froid des accords glacés et la chaleur de la voix, le monophonique et le polyphonique. La différence et l’ensemble ! Tout en un seul !

Une rencontre extraordinaire au sens littéral du terme qui, sur des standards connus, donne une vision nouvelle, extrayant de ces matériaux des beautés auxquelles nous étions sourds et aveugles, en 1961.Toujours et constamment étrangers au nouveau paradigme .Quelle douleur muette est celle des créateurs !

En 1979, dix-huit ans après, soit une génération, une nouvelle sortie de ce disque mettra en lumière le génie de ces deux interprètes. Enfin !

Jeanne Lee with Ran Blake at the piano: The newest sound around BMG 74321221122.

Un peu de morale esthétique ou mieux que l’esthétique et l’éthique forment ici en musique un couple d’amants à leurs proies musicales acharnés.

Quelles avenues emprunter si le terrain musical ici est pourri et bouffi, bouffé par le commercial et la complaisance ?
Quelle œuvre résiste au temps même une simple année ? Quelques mois et puis au revoir, plus – adieu.

Comme elle est conçue, faite n’est qu’un fade discours sans queue ni tête bien souvent formaté pour le profit.

Toute musique est bonne et nous disons que tout vaut s’il y a un sens et que l’on a du plaisir à l’entendre.

Style, genre, tout cela sont des freins pour juger ; rien ne pourra jamais effacer la sincérité du discours même celle d’un joueur de triangle improvisant à l’envie, sachant où il va.

C’est ainsi que les discours deviennent des brûlots lancés contre l’enfermement de notre esthétique convenue et conforme et il s’agit alors de tous les conformismes culturels.

Premier impératif que la vision soit collective car la musique, surtout de jazz, c’est ensemble qu’elle est faite.

Tous les grands groupes ont réalisé d’abord cette union : tous unis en un seul corps.

Second et impératif suprême, que l’imagination et la liberté soient au pouvoir. Qualités indispensables pour toute évolution et expression originale.

S’affranchir de la contingence socio-économique qui mène à l’envie et aux chimères débilitantes.

Ecouter tout et tous sans arrêt et avoir une curiosité inextinguible pour tout ce qui est différent et nouveau.

Pour clore le tout, chercher son son, le son, c’est la carte d’identité indispensable pour un musicien car c’est à son son qu’on le reconnaîtra.

Bien sur, absolument nécessaire, connaître son instrument sur le bout des doigts même si c’est un triangle.

Pour en finir avec tout cela il faut comprendre que c’est le point de non retour et que si on ne le fait pas on ne va nulle part.

Quand on aura ce bagage, il sera temps de dire la musique d’une façon créative et non récitative ou imitative. Le plaisir, enfin.

Celui de choisir entre les notes celles qui conviennent et de ne pas toutes les dire et surtout de dire une histoire qui parle aux oreilles les siennes et à celles des autres.

Une référence médiatique, celle de Manu Katché dans le show pour choisir la nouvelle star qui joue sur l’exigence et se refuse à laisser passer le non-musical même si notre système veut formater pour le plus grand nombre.

Voila l’idée : parier sur ce qui accroche le plaisir et non sur ce qui est accrocheur sur le non-sens.

Donner du sens et du plaisir c’est le devoir du musicien.

Il semblerait que nous sommes affectés d’un mal profond en ce qui concerne la référence culturelle.

On pourrait le comprendre à travers les péripéties de notre histoire culturelle partagée entre l’aliénation que secrète le système colonial et l’authenticité identitaire. Naître et vivre vrai dans cet environnement culturel, requiert une lucidité sans faille vis à vis de ce qu’on acquiert du monde.

Cette démarche individuelle est mise à mal par l’enfermement au discours réducteur de la société opérant sans distinction son pouvoir dominateur.

C’est ou bien la soumission au modèle régnant ou bien la marginalisation destructrice du sujet.

Dans ce cadre, faire émerger une pensée culturelle libre et ouverte relève de la gageure et peu de nos citoyens y arrivent. Il est plus facile d’être conformiste que libre et de fait rebelle au consensus officiel.

Notre société actuelle, qui aurait pourtant la possibilité de se faire une tête bien faite au lieu d’une tête bien pleine, se soucie peu de ce défi.

Défi qui, pour un pays où la loi et l’ordre dominent, est primordial pour assurer une pensée libre et non conforme aux normes prescrites. Nous parlons ici culture et donc de la critique, de la vision, de l’analyse et du jugement qui reposent sur des critères esthétiques.

Il faut reconnaître qu’à ce jour et pour plusieurs générations actuelles il y a une grande difficulté à trier le grain de l’ivraie. Cela conduit à une erreur de jugement sur la qualité des produits culturels, que ce soit en musique, théâtre, danse ou littérature.

Du fait de notre production locale réduite tant au niveau des acteurs que des consommateurs nous nous trouvons en difficulté de relation avec les œuvres car nous absorbons le tout sans discernement. Cette problématique de la consommation culturelle se révèle au plus haut point réductrice au niveau qualitatif et au niveau quantitatif.

En musique par exemple, il nous est proposé, et nous l’acceptons sans discernement, des concerts d’artistes peu représentatifs, et qui sont secondaires par rapport à ce qu’il faudrait à un public peu connaisseur et qui aspire à une pédagogie de l’art.

Un mélange hétéroclite ne peut satisfaire, et si au marché on peut ajouter un agouba pour faire le poids ou le bouquet, en matière de musique c’est la catastrophe. Ainsi tel spectacle où l’excellence de la première partie se mesurait à l’indigence ou la facilité de la seconde provoquant un discret départ des amateurs avertis.

Tant va la cruche à l’eau qu’à la fin elle se casse.

Tel concert récent d’un guitariste virtuose faisait salle comble mais était très loin de combler notre attente musicale car il ne s’agissait que d’un récitant de formules. Comme le disait lapidairement Lester Young à Joe Jones batteur opulent techniquement, “Lady Jones, you are playing a lot of notes but what is your story”. Eh oui ? Que dis-tu ?

Le public rassasié de ces formules se trouve comme au prisunic devant un étalage où tous les produits sont formatés mais peu disant culturellement. Si on souhaite lui montrer la qualité ce n’est pas ainsi qu’on en prend le chemin.

Que les entreprises privées, et Dieu sait qu’il y a pléthore hétéroclite sur le marché, jouent leurs billes, on ne peut rien critiquer car après tout, c’est leur fric même si leur démarche ne procède pas d’une valorisation des esprits.

Mais quand il s’agit des entités qui relèvent des fonds culturels publics dont le cahier des charges est culturellement bien défini, on ne peut que dire non et stop à vendre la culture comme de la marchandise. Pour cela il y a des marchés publics.

Car les fonds en question appartiennent aux citoyens qui, compte tenu de notre histoire inachevée, méritent une démarche pédagogique et une qualité artistique valorisante. Il serait temps que les décideurs culturels de nos entités collectives se refusent à aider ce qui n’est que pur commerce aux dépens des citoyens.

Que se fasse ce qui ne dépend pas de l’argent public, donc l’entreprise privée, pour que ce dévoiement et cette fraude culturelle cesse et que ces lieux culturels existants soient à la hauteur de leurs rôles.

Il serait fastidieux d’énumérer les erreurs et les escroqueries culturelles que nous avons vécues de puis des décennies ici et là aux centres culturels. Et que l’on ne nous dise pas que le public était satisfait. C’est trop facile et flatter les goûts non achevés du public, c’est donner raison à ceux qui se sentent responsables d’eux comme des consommateurs béats et corvéables à merci. La médiocrité est toujours réductrice alors que la qualité est toujours productrice du bon goût car laissée libre de juger.

Pour l’art, la loi de la majorité est un artifice dangereux, car au fond il implique le mépris de l’autre qui ne saurait penser par lui-même. Il est temps de chasser les marchands du temple et Dieu sait qu’il y en a, charlatans en plus.

Et pourquoi le choix d’une culture intelligente et digeste devrait céder le pas à une culture indigente et indigeste ? Il n’y a pas de raison !

Il y a certains concerts, festivals et spectacles qui sont un crime contre la Guadeloupe. Et ce qui est terrible c’est que l’argent public y a contribué. Horreur !

Quand on fait le tour des institutions culturelles, médiathèques, centres culturels qui devraient dispenser la qualité, il est décevant de voir la faible qualité des spectacles publics à croire que toutes les graines semées n’ont pas produit de fruits savoureux. Une salle de spectacle culturelle ne doit pas se réclamer du principe d’une marchandise à vendre.

Il y a une dichotomie entre ce qui est offert gratuitement par les collectivités dont c’est la mission et ce qui est proposé par les lieux de spectacles subventionnés. A croire qu’il y a un cocu et un tricheur. Il y a comme un défaut d’adéquation et il y a longtemps que cela dure.

Le Centre des Arts suit une courbe de plus et une autre de moins, un coup superbe et un coup raté ; ça n’arrange pas la moyenne. L’Artchipel tire son épingle du jeu, mais souffre de l’exiguïté de sa salle et de sa distance par rapport au bassin de population principal. Les nouvelles salles, le Moule, le Lamentin, ont de l’ambition mais pas encore assez de moyens. Les festivals eux, sont fait de plus et de moins, et les programmes sont souvent incohérents et peu attrayants considérées la richesse culturelle disponible de la Caraïbe et de l’Amérique du Nord et du Sud.

Par exemple quelle était la dernière proposition brésilienne, quelle que soit la discipline?

Et pourtant ? L’Amérique du Nord, l’Europe, l’Afrique, l’Asie fourmillent d’artistes dont la qualité ouvrirait nos esprits car ils sont dans la même donne socio-historique que le nôtre.

Concordance et Alternance sont les cordes de résonance dont il faut jouer.

Une étiquette ne suffit pas il faut que la matière soit riche. Faire appel aux artistes locaux est plus que nécessaire mais la prise en main doit être réconfortante et respectueuse.

Faire venir à grand frais un artiste même célèbre plus de trois fois est une aberration comme celle de la grenouille qui veut être plus grosse que le bœuf.

Il y a tant d’artistes d’ailleurs qui correspondraient aux recherches non encore accouchées de nos artistes. Séminaires, résidences, séjours culturels peaufineraient la sensibilité artistique de nos auteurs curieux et qui se sentent hors-courant.

Des assises de la culture dispensée sont à l’ordre du jour. Le rôle des médias est hyper important.

Musique comment te concilier avec l’hier et l’aujourd’hui pour faire le nécessaire et substantiel demain ? Il n’est pas ici question de dresser une politique de la musique mais de décliner une musique même si sans politique de la musique il n’y a pas de bonne et grande musique.

La musique ce n’est surtout pas, comme cela est fréquent, des notes enfilées comme des perles les unes derrière les autres sans signification, non, c’est beaucoup mieux : du son, un son, le son quoi, selon Miles, sans lequel autrement c’est du bruit.

Alors quel serait notre son ? Il est né ici en Amérique de la rencontre de cultures différentes. Il s’est étendu à l’infini sur le continent américain et au monde depuis au moins trois siècles, ceci pour le temps et dans un espace bien défini qui transgresse les limites géographiques dictées par les conquérants avides de pouvoir, de territoires et de richesses matérielles. Non c’est d’un tout autre espace dont il est question pour lequel suffit un passeport sonore, le tambour, le piano, la guitare, la flûte, la calebasse, le pan, la corde, le bandonéon, la clave, le berimbau, et tous les instruments variés créés sur place, ont été les vecteurs du rêve réalisé d’une expression originale que l’on peut désigner sous le vocable d’américaine. Pas un pays de ce continent indien tout d’abord puis européen et africain par la suite qui ne se soit fabriqué sa musique, la sienne propre et souvent en défi à d’autres venues d’ailleurs ayant une forte connotation dominante.

Il serait ici trop fastidieux, vu la richesse, de citer tous les auteurs de cette musique américaine (consulter à ce sujet le guide des musiques d’Amérique et l’encyclopédie Garland sur ce sujet à la LAMECA pour découvrir un univers) et nous nous contenterons ici pour rendre crédible notre sujet, d’un seul lieu, dans un seul moment et dans une seule action, pour saluer la règle d’or des trois unités, fondement classique s’il en fut. Il s’agit d’un jeune pianiste ayant étudié avec Ravel, cubain du nom de Ernesto Lecuona né à Guanabacoa, Cuba, en 1895 et mort à Tenerife en 1963.

Pas trop vieux ni trop éloigné de nous mais dont toute la musique dit Cuba à l’emporte mesure et à l’emporte pièce.
Compositeur audacieux préférant l’exercice public à la solitude au piano, même s’il était un virtuose très attentif à la socio-culture musicale cubaine qu’elle soit espagnole, havanaise et afro-cubaine dont il tirait son inspiration. De cantates à pièces pour piano l’univers musical de Lecuona à l’égal de celui yankee de Gershwin pour les Etats-Unis, se veut espagnol cubain, latin comme on dit improprement et ce voyage constant de la mère première à la fille caraïbe le distinguera comme représentant hispanique sud-américain : une formule bâtarde qui conjugue la sud-américaine Cuba au monde ibérique.

Plus de 500 compositions, des pièces subtiles de sensualité et de jouissance vitale qui donneront aux cubains un répertoire musical original à interpréter et à jouer au monde, et des mélodies qui combleront sa soif de l’exotisme. Citons Malaguena, Siboney, Marialao, Tabou la habanera, la comparsa noche azul danza negra, danza lucumi canto del guajiro, la conga de medianoche danza, hindu, la rumbita, cubanakan canto indio, Amapola danza de los nanigos et autres sans oublier Andalucia pour clore. Tout un répertoire où peuvent sans compter puiser et s’exprimer les interprètes cubains ou autres, tant la part créatrice s’offre clairement par le mélodique et l’harmonique.

Quand on dit que là, Cuba est riche car ayant cet héritage on pourrait aussi le dire pour toutes les autres entités humaines du continent américain. Il suffit de voir comment ces temps-ci la musique dite tango d’Argentine vit un renouveau rajeunissant dans une marmite géante tout son espace musical d’hier et d’aujourd’hui grâce à la créativité de musiciens qui font fi des scléroses du passé, inventent aujourd’hui et sont déjà dans demain et tout cela le plus argentin possible, où la milonga, le candombe, grâce au bandonéon et au violon se mélangent en toute liberté de forme et d’expression.

Si on veut revenir à nous, car c’est là l’idée, il suffit de faire un inventaire semblable et jouer sur tout cet héritage divers et multiple qui a été écrit par nos aïeux. Il est là nous tendant les bras et ne demandant qu’à être tremplin. Il suffit de l’utiliser. Que ce soit des biguines, des mazurkas, des valses, des quadrilles, elles sont toutes prêtes à être conquises et aimées par les musiciens qui voudraient sur leurs trames apporter leurs dessins musicaux.

Nombreuses et souvent dans le domaine du droit commun, on peut les arranger à sa guise car leurs lignes mélodiques et harmoniques se prêtent à tous les canons.

Notre imagination peut réveiller tous ces airs qui n’en peuvent plus d’être à ce point oubliés. Un patrimoine dont on peut être fier car il est de qualité et qu’il est né de deux concepts forts, la poésie et la passion musicale, conjuguant la forme et le fond dans un discours jamais gratuit, où il est question de l’homme avec humour et amour en situation.
On peut certes jazzer sur ces compositions c’est fort bien, à l’égal des cubains et des argentins tout en reconnaissant la formidable méthode du jazz pour discourir et improviser ; il est souhaitable que sa formule soit utilisée comme un condiment ou un ingrédient de qualité mais pas absolument car à l’intérieur de ces musiques américaines il y a déjà la trame et la matière pour une improvisation aussi créatrice que celle du jazz.

Et on comprendra alors que toutes ces musiques américaines du centre du nord et du sud sont des musiques du discours qui expriment le vécu humain avec ses peines et ses joies. Dès lors que nous avons les nôtres il n’est plus de mise par carence mémorielle d’aller chercher celles des autres mêmes si elles sont voisines. Après tout est libre et convivial pour ne pas dire musical.

Taw cé taw fé épi ça ki taw et alos ou ké pé fè cà ki ta lé zot. CQFD.

Parmi les musiciens les plus fidèles à l’esprit de Miles Davis deux se distinguent singulièrement. Ce sont deux insulaires, l’un de Porto-Rico, Jerry Gonzales, le plus fidèle interprète de la musique afro-cubaine à cheval sur Harlem, Cuba et Porto-Rico, et l’autre, Paolo Frésu, originaire de la Sardaigne, qui a transcrit dans sa musique cette culture méditerranéenne matinée d’Orient.

Tout d’abord ces deux disciples ont du maître la forme et le fond dans leur approche de la trompette. Force et souplesse du discours et ce son unique et raffiné.

Dans un exercice où Miles espagnol est visible, Jerry reprend le flambeau là où Miles l’avait porté, c’est-à-dire dans les terres maures de Soléa et Saeta, et l’enfonce encore plus dans le flamenco andalou. Pour ce faire, se livrent les guitares, le cajon -l’équivalent de la conga- et la voix unique du chanteur gitan Diego « El cigala », bluesman cante jondo pour signer le tout.

Admirable album qui démontre la fidélité du fils au père, qui continue l’œuvre entreprise par Miles, à savoir que la musique de jazz est directement fille du continent africain et sœur de la musique gitane que les Maures ont installé en péninsule ibérique il y a des siècles. Jerry est fils de Porto-Rico ; cet ex-colonie espagnole, lien en Caraïbe de cette culture partagée qui a donné à Borinquen son originalité musicale, qui va de la plena à la bomba, où s‘inscrivent les apports africains.

Album chez Lola records LR 1003 intitulé Jerry Gonzales y los piratas del flamenco.

L’autre disciple de Miles, lui, est parti d’une autre approche, celle qui consiste à réciter le même thème et à apporter dans ce discours sa digression d’avec le maestro. Le choix d’un opéra de Gershwin sur la vie d’une petite communauté noire du Sud des Etats-Unis est en lui-même significatif de la démarche de Paolo, d’être au plus près de l’esprit du blues et du jazz pour plus facilement rejoindre le monde originaire de Miles qui est originaire de St Louis, Missouri.

De plus, l’exposé musical très Ravel des arrangements de Gil Evans sur l’œuvre, dont l’esprit sera conservé par Paolo et ses musiciens italiens et asiatiques, va comme un gant à l’italianité insulaire du sardaignais qui, dans son enfance, a vécu ce monde paysan, d’en dehors comme celui de Catfish Row, lieux où la comédie côtoie souvent le tragique.

Prise de relais de Miles, et relecture moderne par un nouvel opéra vivant et passant par les sons et les rythmes de notre époque.

Hommage respectueux aux deux géants que sont Miles avec Gil et Satchmo avec Ella qui ont interprété cet opéra Porgy and Bess, cette histoire d’amour universelle et multiethnique.

Paolo Fresu : Kind of Porgy & Bess chez BMG 74321 951952.

Moralité artistique qui est de s’inspirer plutôt que de copier et de proposer un plus allant dans le sens du modèle