Avec Fraktal, le pianiste guadeloupéen Jean-Marc Bellon livre son premier album. Et pourtant, cet encore jeune musicien a déjà une longue expérience derrière lui. Comme souvent, il a beaucoup travaillé pour les autres (avec ?) avant d’avoir enfin pris le temps de se consacrer à son projet personnel. Formé au contact des plus grands (Kenny Werner, Jeff Gardner, JF Jenny-Clark…), il travaille assidûment et fréquente les stages professionnels de Berklee ou Aebersold. Ses qualités de musicien lui permettent rapidement de jouer avec des artistes renommés comme André Condouant, Boy Gé Mendes, Randy Weston ou encore Mory Kanté – à la même époque qu’un certain Gérard Poumaroux, d’ailleurs…

De ces expériences, et de ces voyages, Jean-Marc Bellon rapporte la matière de Fraktal, un disque profondément jazz, très léché, et où se découvrent ses influences, de Bill Evans à Debussy en passant par E.S.T. et Henri Salvador ! L’album s’ouvre d’ailleurs sur un hommage au regretté Esbjorn Svensson, disparu tragiquement en 2008. Avec Thierry Fanfant à la basse et Jean-Philippe Fanfant à la batterie – les cousins ! – Jean-Marc ne pouvait guère rêver meilleure rythmique et meilleur jazz feeling. De « E.S.T. » à « Eastry House » ou « Taïkoï », la démonstration est faite. Fraktal nous fait ainsi voyager, de la Caraïbe à l’Amérique du Nord et à l’Europe, voire même plus loin avec « Agataraba », un savant mélange cool, reggae, oriental aux paroles distillées par Allen Hoist. Souvent très écrites (Bohémia), les compositions de Jean-Marc Bellon affichent leurs références classiques (Arabesque) et l’album se referme même sur un « Dans l’ignorance » dont Erik Satie n’aurait renié ni le titre, ni la musique !

Fraktal nous donne aussi l’occasion de retrouver le bassiste Marc Jalet, avec lequel Jean-Marc développe depuis de longues années une forte complicité, concrétisée dans le groupe Artefact avec lequel il joue dès qu’il en a l’occasion en Guadeloupe. Marc est invité sur deux titres fortement teintés de Caraïbes, « Fraktal » d’abord, titre éponyme, au groove solide et qui donne au bassiste l’espace nécessaire pour s’exprimer, et « Malaka », sur lequel Allen Hoist scatte avec brio. Avec Fraktal, Jean-Marc Bellon a privilégié la composition, la mélodie et le groove à une virtuosité sans âme, et c’est beaucoup mieux ainsi !

Fraktal – 2011 – Jean-Marc Bellon (pno), avec Thierry Fanfant (cb), Jean-Philippe Fanfant (dms), Marc Jalet (b), Edmundo Carneiro (perc), Thomas Koenig (fl) et Allen Hoist (vcls).

Titres : 1- E.S.T. – 2- Maria – 3- Fraktal – 4- Agataraba – 5- Arabesque – 6-Bohémia – 7- Malaka – 8- Sabah – 9- Taïkoï – 10- Eastry House – 11-Lakaz – 12- Dans l’ignorance

Ecoutez des extraits sur MySpace : https://www.myspace.com/jeanmarcbellon

Nous disons depuis longtemps que d’une part Raymond d’Huy est un indéniable virtuose de la basse, et que d’autre part il a un vrai sens de la belle mélodie. Il le prouve à nouveau avec « Bikabass » et dès le morceau d’ouverture, « Rézistans » qui donne le ton d’un album sur lequel il travaille depuis bientôt quatre ans, immédiatement après la sortie de son précédent disque, « MesTissages ». Côté jazz, on citera ses maitres évidents : Pat Metheny (« Marie-Laure » par exemple) et Marcus Miller (sur « Joker », succès repris de l’album « Zapping » des d’Huy Brothers – 1997, déjà !). Mais autour de la trame purement caribéenne de son jazz (« Mizik »), Raymond d’Huy rajoute ses multiples influences, qu’elles soient fusion, zouk, reggae, free (quelques fulgurances ; écoutez « la Croisée des Chemins »), gwoka ou encore rock, dans un disque particulièrement travaillé – et pas seulement la musique, la pochette également – et foisonnant, où la basse est tour à tour souffle, rythme et mélodie. On retrouve autour du leader de nombreuses signatures connues et appréciées, les complices d’Alchimiks – Jean-Michel Lesdel et Raymond Grégo – les compagnons de longue date – Dominique Bérose, Jocelyn Ménard… Christian Laviso apporte sa guitareka au « Blues Peyi » et Raymond met en avant la voix de la talentueuse Leedyah Barlagne sur les deux titres chantés de l’album, « Respé » et « Plis Ki Pawôl ». Mais on y retrouve également pêle-mêle Philippe Sadikalay, Didier Juste, Sonny Troupé, Andy Narell, Ruddy Levis… « Bikabass » marque certainement un aboutissement dans la carrière du bassiste, qui nous présente là l’une de ses plus belles réalisations, et il faut que cela se sache.

Retrouvez Raymond d’Huy sur Facebook.

Depuis plus de dix ans, Franck Nicolas, développe son jazz-ka, fusion complète du jazz et du gwoka. Il s’est constitué une équipe, autour de l’emblématique Alain Jean-Marie, et avec Louis Allèbe Montjoly de Montaigne et Sonny Troupé. Pour le reste, il s’autorise quelques variations. Pour ce troisième volet de sa « Jazz-Ka Philosophy », d’une part il a fait appel au violoncelliste Nicolas Breton, et d’autre part, il a troqué trompette et bugle pour un disque exclusivement joué à la conque – ou, pour être exact, aux conques. Il pratique ces « instruments » depuis plusieurs années, que lui conçoit Martial Rancé à partir de coquillages soigneusement sélectionnés aux quatre coins du monde, de la Caraïbe à l’Australie, et a développé une technique qui lui permet de moduler les notes d’une façon unique. « Kokiyaj » est du coup un album très « aquatique » (écoutez Alain Jean-Marie voguer au Fender – si, si – dans « Sable de Lune » par exemple) dans lequel le trompettiste montre qu’il maitrise désormais le sujet du jazz-ka, et sous toutes ses formes. Autour du gwoka, la sensibilité d’Alain Jean-Marie et le choix du violoncelle insufflent à la musique une couleur parfois presque classique – Debussy n’est parfois pas loin – mais toujours caribéenne, et surtout guadeloupéenne par-dessus les tambours de Sonny Troupé. On oscille ainsi entre mélancolie (« Vague Etwnel »), groove & jazz (« Hymne à l’océan »), pour finir sur une belle note de légèreté avec « Hyppocampe ». Mais le plus extraordinaire dans cet album est probablement le fait que finalement pas une fois la trompette ne manque – Est-ce une surprise ? -, et qu’il s’agit d’un vrai disque de jazz – au « Kokiyaj » ! L’album est désormais dans les bacs, selon la formule consacrée, et en attendant de retrouver Franck au détour de l’un de ses nombreux autres projets de jazz ka : la fanfare ka, manioc poésie 2 et le terrible Trio Zalizé, avec Michel Alibo et Sonny Troupé !

Le site web de Franck Nicolas est ici : http://franck.nicolas.jazz.pagesperso-orange.fr/ et Franck est également sur Facebook.

J’allais commencer la présentation des DVD d’Andy Narell en vous indiquant de passer votre chemin si vous n’aimiez pas le steel drum, mais c’est une idiotie. Au contraire, plongez-vous dans « Alive » avec délectation, et vous tomberez à votre tour sous le charme. Loin des mauvais clichés d’une musique pour touristes en croisière, le steel drum est une vraie culture, ancrée dans une histoire caribéenne profonde. Trinidad vit et respire le steel drum, et ceux qui s’y penchent succombent à peu près à coup sûr sous l’emprise des « jumbies », les esprits du steel drum ! Andy Narell y a succombé depuis longtemps, suffisamment en tous cas pour être reconnu aujourd’hui dans la patrie même du steel drum et avoir même le droit de représenter sa musique et sa formation au Trinidad and Tobago Steelpan and Jazz festival en 2007. C’est l’objet d’un premier film passionnant qui nous emmène au cœur de la tradition et nous fait rencontrer les figures du Calypso au premier rang desquelles le chanteur Relator avec lequel Andy Narell a publié son plus récent disque. Les sessions d’enregistrement sont d’ailleurs documentées dans le film « University of Calypso Sessions ». Le concert donné à l’occasion de ce festival est partiellement reproduit dans le film « Live at Queens Hall ». Installé à Paris depuis plusieurs années, Andy y fait également vivre le steelpan et le calypso au sein d’une communauté très vivante. Des orchestres comme celui de Calypsociation sont ainsi particulièrement actifs, emmenés également par Laurent Lalsingué, paniste martiniquais renommé, et qui fait également partie du quartet Caraib II Jazz. L’un des défis d’Andy Narell a été d’emmener le Calypso à Köln et de partager la fièvre caribéenne avec le WDR Big Band. C’est l’ensemble de la formation Calypsociation, additionnée de la rythmique de Gregory Louis et Inor Sotolongo qui a ainsi fait le voyage. « Calypso Fever » nous raconte l’histoire de cette rencontre entre ces deux grandes formations, avant de profiter pleinement du concert avec « Live at the Köln Philharmonic ». La fusion fonctionne à merveille ; il est immédiatement évident que jouer du steelpan est une danse, et plus encore, en grande formation, un ballet ; c’est ce qui fait la force cette musique dans laquelle les musiciens qui la jouent sont de fait immergés corps et âmes ; et c’est clairement ce qui a l’air d’interroger – et de séduire – la section de cuivres du WDR Big Band !

Le site web d’Andy Narell est ici : http://andynarell.net/, mais vous pouvez également le retrouver sur Facebook.

De sa voix puissante et chaude, Glawdys n’Dee proclame le Lyannaj des cultures ! Basée à Chicago, la chanteuse guadeloupéenne livre un album riche et varié, à l’image de son histoire personnelle inscrite dans le triangle Antilles – métropole – Etats-Unis. Chaque composition est en soi un morceau métissé, entre jazz, zouk, r&b, reggae, Afrique, gwoka… et c’est l’authenticité de tous ces arrangements qui frappe, car le Lyannaj n’est pas seulement déclaré, il est profondément ressenti. Glawdys n’Dee s’est entourée des musiciens américains qui l’accompagnent régulièrement sur les scènes de Chicago – l’album a d’ailleurs été reconnu comme l’un des meilleurs de l’année 2010 par le site ChicagoJazz.net – et elle a fait venir Frantz Fléreau à Chicago pour assurer les percussions, gwoka en tête, et impulser l’esprit antillais du disque. On retrouve également le bassiste cubain Victor Miranda – Al di Meola, Orquesta Aragon… – sur de nombreux titres, pour renforcer encore les couleurs caribéennes de Lyannaj. Au total, Lyannaj est très probablement le disque que l’on n’attendait pas, mais en revanche, Glawdys n’Dee est certainement désormais la chanteuse que l’on attend sur nos scènes !

Vous baignez dans la musique depuis toute petite. Enfant, en Guadeloupe, vous êtes repérée par André Condouant. Racontez-nous.

A l’âge de quatorze ans, j’ai participé à une audition organisée par Daniel Forestal et André Condouant. J’ai été sélectionnée parmi 80 participants. De là, Daniel s’est appliqué à nous exposer à plusieurs styles de musique et à nous introduire à la scène. Ce fût une expérience enrichissante.

Vous débutez professionnellement dans le Gospel, à Paris, puis décidez de partir pour l’Amérique. Qu’est-ce qui vous y a poussé ?

J’avais envie de vivre d’autres expériences. A cette époque, je croisais souvent beaucoup de musiciens américains sur la scène parisienne, et bon nombre d’entre eux venaient de Chicago. Un jour, j’ai été sollicitée pour participer au concert du chanteur de blues, Patrick Verbeke. Luther Allison était présent. Après ma prestation, Luther est venu vers moi, et m’a prise la main en souriant. Il m’a dit alors en me regardant droit dans les yeux : « You can sing the blues ». Ce fût le déclic !

Qu’attendiez-vous de ce dépaysement ?

Je voulais m’immerger dans la source, sentir les choses à un degré plus profond. Il y a des choses qui ne s’apprennent pas dans les livres ou sur une partition seulement. Il faut les vivre. Les sonorités, les phrasés, les pulses rythmiques d’un peuple se retrouvent dans son environnement quotidien : dans le langage, la démarche, le rire…. Il faut juste tendre l’oreille et être réceptif.

L’Amérique a-t-elle tenue ses promesses ? Comment s’est façonnée votre musique, au contact de toutes ses influences ?

Oui. Sans aucun doute. La culture n’a pas de prix. C’est une richesse à vie dont personne ne peut te dérober. Il est clair que ces expériences ont contribué à façonner mon identité musicale. Je pense que cela s’entend dans mes compositions. Cependant un artiste se renouvelle et se crée constamment. Je reste très ouverte.

La musique de Glawdys n’Dee est profondément ancrée dans la Caraïbe. Est-ce que le public américain y est sensible ?

C’est un public très réceptif. C’est vraiment un plaisir de partager avec eux. Le son du ka a résonné à Chicago pour la première fois de cette manière et a conquis ce peuple. Pour moi, c’est une victoire pour notre culture.

Venons-en à Lyannaj – dont le titre traduit justement ce lien entre les cultures, aussi différentes soient-elles. Quelle était votre idée au départ du projet ?

Lorsque j’ai composé la musique de l’album « LYANNAJ », je voulais trouver une sonorité dans laquelle chacun pouvait se reconnaitre, tout en gardant l’identité caribéenne. Au lieu de me focaliser sur nos différences, je me suis tourné vers nos similitudes. « Lyannaj » porte un message… A vous de l’entendre.

Outre la Caraïbe, les accents africains et les références à l’Afrique sont nombreux. C’est un choix délibéré ?

C’est un clin d’œil à l’Afrique et à nos ancêtres…

Les percussions caribéennes sont assurées par Frantz Fléreau…

Il était important pour moi d’inclure le Ka sur l’album. Nous avons donc fait appel au percussionniste Guadeloupéen Frantz Fléreau, qui a fait le déplacement jusqu’à Chicago. Cela a renforcé davantage la présence de nos styles rythmiques sur l’album, et a permis aux autres musiciens de percevoir un peu mieux notre état d’esprit.

Lyannaj nous fait voyager dans toutes vos influences, reggae, zouk, gwoka, soul, jazz… C’est un message commun et universel ?

Oui, c’est tout à fait ça : Une célébration de l’unité dans la diversité.

Vous êtes en tournée pour présenter l’album ? Quel est le programme prévu ?

Nous planifions être sous peu en France et aux Antilles. Les choses se mettent en place. Je vous dis donc à très bientôt…

Plus d’information sur le site de Glawdys n’Dee, le Global Music Network.

Enfant, à la Dominique, Cameron Pierre a appris à jouer de la guitare sur un instrument « loué » à un de ses amis, et en écoutant ce qui passait à la radio. Avec un père – fan Nat King Cole – musicien dans un groupe de steel drums, c’est dire si la musique a toujours fait partie de son univers comme une passion. Ses jeunes années ont été forgées à l’écoute de Radio Jumbo, une station martiniquaise, basée en Dominique et dont le répertoire éclectique caribéen est honoré dans cet album. Il débute à la basse, mais en arrivant à Londres à la fin des années 70, sa mère se trompe en lui achetant une guitare… Impossible de lui dire, et c’est ainsi que Cameron, passant petit à petit sur des instruments un peu meilleurs à chaque fois, se forgea son expérience de guitariste ! Influencé par George Benson, Cameron Pierre joue entre autres avec Courtney Pine, aujourd’hui producteur de ‘Radio Jumbo’. La rencontre avec Mario Canonge remonte à quelques années, lorsque Cameron l’écouta à Paris dans une soirée et devint immédiatement fan de son jeu, de sa façon de fondre jazz et musique caribéenne en une musique à la fois originale et naturelle. Depuis ce jour, Cameron savait qu’un jour ils enregistreraient ensemble. Cameron est par ailleurs fan de Malavoi – grâce à Radio Jumbo – dont Mario fut un temps le pianiste attitré. Sur cet album, les compositions sont de Cameron Pierre, à l’exception de deux reprises. L’une est un standard de Mal Waldron, ‘Soul Eyes’, et l’autre fait appel à la chanteuse dominiquaise Michele Henderson pour interpréter une version complètement caribéenne – et très réussie – du tube de Stevie Wonder, ‘Another Star’. ‘Radio Jumbo’ navigue ainsi entre jazz et zouk, fait également la part belle aux musiques traditionnelles – dans ‘Traditionnal’ justement, où Cameron est au banjo ! – passe par la biguine et la mazurka, lorgne du côté de Malavoi avec plusieurs arrangements pour quartet à corde. Au total, un répertoire sur lequel tant Cameron Pierre que Mario Canonge sont à l’aise et se complètent parfaitement. Les espaces musicaux sont grands, pour laisser aux deux caribéens la place pour s’exprimer pleinement. ‘Radio jumbo’ est ainsi un album qui mettra du soleil dans l’hiver qui s’installe – pour ceux qui sont au Nord, et qui fera patienter les autres jusqu’à un prochain concert de Cameron Pierre dans la Caraïbe, ce que nous espérons tous proche !

‘Radio Jumbo’ – avec Cameron Pierre (g, bjo), Mario Canonge (pno), Michael Bailey (b), Wesley Joseph (dms), Donald Gamble (perc), Ellen Blair (vln), Sarah Telman (vln), Ammanda Drummond (vla), Jenny Adejayan (clo), Michele Henderson (vcls), Dave Joseph (voice), Kyron Akal (steel pan), Courtney Pine (add. Keys)

Sur le net :

• Website : http://www.cameronpierre.co.uk
• Facebook : http://www.facebook.com/pages/Cameron-Pierre/106668293438
• MySpace : http://www.myspace.com/cameronpierre
• ReverbNation : http://www.reverbnation.com/cameronpierre

Avec « Mitan », Mario Canonge nous propose un disque de jazz. Cette phrase anodine est en fait une déclaration forte, qu’il revendique haut. « Mitan », milieu et quelque part charnière, d’une vie, d’une carrière… Depuis « Rhizome », Mario Canonge recherche l’alchimie du jazz et de la musique caribéenne plus traditionnelle et souvent plus légère – au bon sens du terme – qu’il a pratiqué extensivement et qui a fait sa renommée avec « Retour aux sources », « Arômes Caraïbes » et autres « Chawa ». Le résultat est à la hauteur de ses ambitions car « Mitan » est à la fois pleinement un disque de jazz et pleinement un disque caribéen, sans compromis aucun. Bien au contraire, jazz et musique caribéenne s’accompagnent l’un l’autre. Mario Canonge a d’ailleurs constitué pour l’occasion un noyau dur caribéen, avec le cubain Félipe Cabrera à la basse et le batteur Obed Calvaire, originaire d’Haïti. Dès lors, plus besoin de traduire, la musique coule de source. On retrouve également l’exceptionnelle paire rythmique formée par Linley Marthe et Chander Sardjoe sur quelques morceaux, et dans la lignée du « Rhizome Tour » qui avait alors propulsé le trio sur de nombreuses scènes à travers le monde. Et puis quelques autres invités choisis avec bonheur s’ajoutent çà et là, le saxophoniste Irving Acao, Manu Codjia ou encore Bago, parmi d’autres. En ce début octobre, Mario présentait « Mitan » sur la scène du New Morning. Nous y étions.

« Mitan » ! Le dernier album de Mario Canonge !

À tous ceux qui auraient raté le concert du 04 octobre dernier au New Morning, je ne peux dire qu’une chose : « Tant pis pour vous ! ». C’était une soirée magique ! Même si nous sommes, certes, habitués au talent de Mario, il ne cesse de nous étonner !

En débutant avec « Poésie du chaos », Mario nous plonge dans son univers si unique. Certains parleront de retour au jazz, mais une chose est sûre, ce « retour » ne nous prive en rien de son énergie et de ses influences caribéennes ! Que ce soit au travers de ses invités (Manu Codjia, Blick Bassy, Arnaud Dolmen, Olivier Juste) ou avec certains morceaux comme entre autres Madikera, et A Fleur de Terre, le rythme, la fluidité et les épices sont bien là !

Sans parler de sa formation exceptionnelle. À la batterie, Lukmil Perez qui nous fait délicieusement partager ses origines latines grâce à des rythmes exécutés avec douceur et velouté. Une énergie subtile et intense qui accompagne parfaitement la virtuosité de Mario ! À la contrebasse, Felipe Cabrera. Entre ses mains, la contrebasse devient l’instrument d’équilibre entre le piano et la batterie. Felipe Cabrera s’offre à nous, et cela se voit ! Son sourire, son rythme et sa présence nous ravissent et illustrent à merveille la noblesse de cet instrument.

Un trio à l’harmonie parfaite où se mêlent créativité, virtuosité et clins d’œil caribéens.

Plus d’information

• Retrouvez Mario Canonge sur Facebook : http://www.facebook.com/mariocanonge
• Achetez ‘mitan’ en ligne et en haute qualité audio sur BandCamp : http://mariocanonge.bandcamp.com/
• ‘mitan’ est aussi disponible sur Amazon, iTunes, FNAC…

Les photos live sont de (c) Marc Chesneau

Il y a environ quatre ans, Tony Chasseur et Thierry Vaton se lançaient dans un défi a priori complètement à contre courant des tendances actuelles, monter et faire tourner un vrai big band de musique antillaise. Par ces temps de vache maigre pour la production musicale cela paraissait complètement fou. Mais voilà, avec d’une part l’opiniâtreté de ses initiateurs, et d’autre part une qualité musicale que ces deux là cultivent depuis longtemps, le projet prit forme, et rassembla parmi les plus grands acteurs de la scène musicale antillaise actuelle : Thierry et Jean-Philippe Fanfant, Bago, Alain Ravaud, Philippe Slominski, Allen Hoist… Au total une section de douze cuivres, soit dix-neuf musiciens et chanteurs sur scène. Incroyable ! En 2008, Mizikopeyi sortait un premier album, « De racines et d’influences », qui puisait dans le patrimoine caribéen et s’ouvrait les portes de nombreux festivals dont l’ouverture du Festival de Jazz de Paris au Parc floral, ou encore le Carib’In Jazz Festival à l’Olympia. Succès donc… et l’envie d’aller plus loin.

C’est chose faite aujourd’hui avec le deuxième opus de l’orchestre, « Ka wouvè zel-li » à paraitre cet Automne. Pour l’occasion, Tony Chasseur puise à nouveau dans le répertoire de Guadeloupe et de Martinique – et de Guyane avec quelques pièces de Chris Combette -, mais incorpore aussi beaucoup de compositions originales. Il s’appuie sur la même (large) équipe que précédemment, et y ajoute de nombreux invités pour ouvrir le projet : Paco Man’Alma, Tricia Evy, Arnaud Dolmen, Pipo Gertrude, Claudine Pennont, Isaac Narell (oui, le fils de, aux arrangements), Yann Negrit… L’album navigue sur les rythmes traditionnels des Antilles (chouval bwa, gwoka), de Martinique (zouk, mazurka) et plus largement de la Caraïbe (biguine, konpa). « Ka wouvé zel-li » marie avec bonheur les sonorités de la Nouvelle Orléans, les harmonies latin jazz, des arrangements qui redonnent de la modernité à ce répertoire et un swing qui ne faiblit pas d’un bout à l’autre de l’album. Les pièces chantées alternent avec les instrumentaux dans lesquels les pupitres de cuivres sont mis à l’honneur (« La haut sur la montagne ») dans de vrais numéros de bravoure dont la complexité ne sacrifie rien à leur fluidité et leur entrain. Au total, Mizikopéyi nous gratifie d’un nouvel album rempli de bonne humeur, belle musique, talent, et qui porte haut la musique caribéenne. A ne pas manquer dès sa sortie.

Personnel : Thierry Vaton : piano – Fender ; Thierry Fanfant : basse – contrebasse ; Patrick Boston : guitare ; Bago : percussions ; Jean-Philippe Fanfant : batterie ; Christian Martinez, Philippe Slominski, Erick Poirier, Alain Ravaud : trompette – bugle ; Bernard Camoin, Michael Joussein, Philippe Henry : trombones ; Frédéric Couderc, Allen Hoist : saxo alto – flute ; Pierre Mimran, Thierry Farrugia : saxo ténor – flute ; Olivier Defays : saxo baryton – soprano ; Claudine Pennont – Eddie F. : chants, chœurs ; Tony Chasseur : chef d’orchestre, chants, chœurs.

Invités : Arnaud Dolmen, Samuel Crestor, Robert Canguio, Isaac Narell, Yann Negrit, Paco Man’Alma, Chris Combette, Tricia Evy, Pipo Gertrude…

• 1. Medlé Peyi (Frantz Charles-Denis, Paul Rosine, André St-Prix, Tony Chasseur) – 7 :50
• 2. Wouvè Tjè-Nou (Tony Chasseur / Denis Voyer) – 4 :35
• 3. Jwé Ba Nou (Michel-Ange Amar / Alain Ravaud) – 5 :55
• 4. Si Belle (Chris Combette, Tony Chasseur / Tony Chasseur) – 5 :18
• 5. Dako (Paco Man’Alma) – 6 :27
• 6. Wè Péyi-a Changé (Eddy F./Thierry Vaton) – 4 :58
• 7. La-haut dans la montagne (Henri Guédon) – 4 :35
• 8. Tendr’Amant (Chris Combette) – 5 :16
• 9. Chabine Chivé Soley (Christian Degras) – 4 :42
• 10. Man pa Kanmarad-ou (Paco Man’Alma) – 5 :25
• 11. Un Nouvel Avenir (Claudine Pennont) – 5 :07
• 12. Si Tout est à Refaire (Eddie F., Tony chasseur / Alain Ravaud) – 4 :22

• Mizikopeyi sur MySpace : http://www.myspace.com/mizikopeyi
• Le site de Tony Chasseur : http://www.tonychasseur.com

Thierry Fanfant était aux Antilles ces jours-ci, d’une part pour accompagner le pianiste Jean-Marc Bellon qui se produisait en Guadeloupe dans le cadre des « Premières rencontres autour du piano », mais surtout pour la promotion de son tout nouvel album fraîchement sorti, « Simé Lanmou ». A la tête d’une formation plus resserrée que sur « Intimes » paru en 2005, et dont en particulier un trio de désormais fidèles formé avec David Fackeure et – bien sûr ? – Jean-Philippe Fanfant, Thierry célèbre tout à la fois l’amour, la musique caribéenne, le partage et la créolité, autour de textes jamais anodins et toujours justes. Les principaux rythmes de Guadeloupe et de Martinique offrent à Thierry la matière pour exprimer toute la palette des émotions, en s’appuyant à chaque fois sur quelques invités judicieusement choisis. Si le jazz reste le fil rouge de l’album – en témoigne le design de la pochette, très réussie, au parfum unique des classiques de Blue Note, ou encore le cœur de l’orchestration en trio avec contrebasse – il en constitue surtout la base du langage, mais pas le message principal qui reste avant tout le métissage des cultures à travers la riche diversité de la musique caribéenne. Parmi les invités, quelques belles voix, classiques – Ralph Thamar, Tony Chasseur, récentes – Kareen Guiock, Erik Pédurand, ou bien parlées, avec le beau et poignant poème de Gaël Octavia, « Vale an nou » en introduction à « Pièce d’Inde ». Avec ce titre, Thierry voulait trouver le dénominateur commun à l’histoire de tous les esclavages issus d’Afrique, qu’ils aient abordés dans l’Océan Indien, aux Antilles ou en Amérique. D’où la présence d’Olivier Juste, Meddy Gerville, Linley Marthe, Charly Obin ou Orlando Poléo. Thierry, très souvent à la contrebasse sur cet album, nous fait ainsi voyager à l’aide des rythmes des Antilles, y compris jusqu’en Afrique – « La sev mwen » – avec Julia Sarr ! Tout en pudeur, et après la joie des enfants, « Simé Lanmou » s’achève sur le thème d’Eloi, dissimulé au fond de la dernière piste, en mémoire des disparus partis trop vite, Patrick, Edith, Gilles… Au total, « Simé Lanmou » est une pièce riche, diversifiée, authentique, souvent belle, aux arrangements recherchés, et qui porte haut la musique caribéenne, loin des clichés de facilité qu’elle véhicule malheureusement trop souvent.

Puisque l’on parle de Thierry, c’est l’occasion de revenir sur le pari fou qu’il s’est lancé il y a quelques années avec son épouse Nathalie : offrir aux musiciens antillais une scène à la mesure de leur talent, celle de l’Olympia. C’est ainsi qu’est né le Carib’In Jazz festival, dont nous nous sommes fait l’écho ici-même lors des dernières éditions. Pour cette troisième année, et dans un contexte économique particulièrement difficile, Thierry et Nathalie comptent bien encore une fois relever le gant, profitant de ce que 2011 est l’année des Outremers. A suivre en fin d’année, et surtout, à soutenir !

Plus d’information :

• Le site officiel de Thierry Fanfant : http://www.thierryfanfant.com/
• Ou bien sur ReverbNation : http://www.reverbnation.com/thierryfanfant

Avec « Limewo Twa », Horizon revient sur le devant de la scène, vingt ans après le premier disque du groupe. Mais si la production physique d’Horizon est relativement restreinte, d’une part le groupe est bien vivant et se produit souvent en concert, même si c’est à géométrie variable, et puis surtout la qualité de la musique comble avantageusement la rareté des albums. C’est ainsi que Horizon a bien entendu régulièrement figuré au programme des festivals régionaux autour des musiques traditionnelles, au premier rang desquels le festival de Gwoka de Sainte-Anne, mais le groupe a eu aussi l’occasion de faire résonner ses tambours à Angoulême, à Nantes ou à Paris. La démarche du groupe consiste à se poser en gardien de la tradition, avec une musique identitaire et sans pour autant en devenir sclérosé. Au contraire on est frappé par la modernité des arrangements à laquelle il faut rapprocher l’actualité des thèmes traités – Fô Négosyê ! Christian Laviso compose une bonne partie des morceaux et sa guitare oscille entre guitareka – sa marque de fabrique – jazz et jazz-rock. On retrouve avec bonheur une énergie communicative et des arrangements riches que la taille de la formation permet, sur un mélange de compositions originales et de reprises du groupe (Horizon, Enèji…). Dans l’esprit, on touche souvent au jazz – voire au latin jazz avec la flûte d’Olivier Vamur -, et même à l’afro-beat et aux transes que ces deux musiques peuvent engendrer. Un très bon cru pour affirmer que le groupe est plus que jamais à la pointe du gwoka moderne.

Horizon – 2011 – Limewo Twa – avec Christian Laviso, Jean-Denis Guembé, Charly Machecler, José Gustarimac, Michel Sylvestre, Olivier Vamur, Maurice Coco, Roland Galas, Philippe Pierre-Marie, Aldo Middleton, Lucien Verger. Enregistré aux studios Debs, 2010.

La carrière professionnelle d’Alain Ginapé débute il y a plus de trente ans. Guitariste autodidacte, il se fait rapidement reconnaître dans un registre ouvert, entre jazz et musiques afro-caribéennes. Comme nombre de musiciens talentueux, il consacre sa carrière à répondre aux nombreuses sollicitations dont il fait l’objet, souvent prestigieuses. Parmi celles-ci la collaboration la plus durable est probablement celle qu’il partage avec Sam Rivers depuis le début des années 80. Mais on ne saurait manquer de citer également Myriam Makeba, Marion Brown, Lavelle, Steve Coleman ou bien encore Manu Dibango et Alain Jean-Marie. Liste non exhaustive ! Alors, quand paraît « Equilibre » sous son nom – Enfin ! – on n’est pas étonné d’y retrouver à la fois un grand professionnalisme et une diversité riche. L’album s’ouvre sur « Marcus » aux relents de soul des seventies, et cousin inspiré du Creole Blues de Roland Brival. La voix de Titus Williams, référence du gospel américain, n’est probablement pas étrangère à ce climat. Avec « Toussaint », la guitare reprend le devant, dans un registre qui rappelle le Caribbean Cool Jazz de Patrick-Marie Magdelaine, accompagnée par le piano chantant d’un Bibi Louison tout à fait dans son domaine. Alain Ginapé décline son credo sur « Equilibre », titre éponyme à l’humeur brésilienne et chanté par Emilien Ginapé. Il fait ensuite appel à la basse de Raymond Doumbé pour un « Dimanche » électrique s’il en est, aux fulgurances carrément rock ! Le retour au jazz caribéen est opéré tout en sensibilité avec la voix de Tony Chasseur sur « Léo ». En point d’orgue, Alain Ginapé termine l’exercice d’équilibre, entre jazz, Caraïbe et Brésil, avec « Julian », une belle synthèse où l’on se fait plaisir. Perfectionniste, Alain Ginapé n’a pas voulu délayer le propos et l’on peut regretter que cet « Equilibre » nous laisse un petit peu sur notre faim, mais quelle excellente raison de ne pas manquer de retrouver le guitariste en concert. La tournée de présentation de l’album démarre, et vous pouvez retrouver les dates sur le site du Bananier bleu.

Plus d’information sur le site d’Alain Ginapé (http://www.alainginape.com/).

Equilibre – 2010 – Alain Ginapé (g), avec Charles Ahmed Barry (b), Raymond Doumbé (b) sur « Dimanche », Bibi Louison (pno), Serge Marne (dms), Emilien Ginapé (vcls), Titus Williams (vcls)et Tony Chasseur (vcls).

Samedi dernier, en fouillant rapidement sur le net pour voir ce que l’on disait de son dernier album, Gilles Rosine a eu une surprise de taille en constatant qu’il y avait eu plus de 20.000 téléchargements illégaux de « Madin’Extension ». Pour du jazz caribéen, on frise le disque d’or… mais l’argent ne rentre pas. Alors quoi ? Oui on peut crier au scandale, oui on peut faire appel à la bonne conscience des internautes (mais il est plus difficile d’atteindre leur portefeuille), oui on peut tenter d’alerter HADOPI mais avec peu d’espoir de renverser la vapeur – ou de récupérer l’argent… -. Je ne dis pas qu’il ne faut pas tenter de lutter contre le piratage, bien au contraire, et la majorité des professionnels du secteur s’y emploient, en essayant de nettoyer le web des fichiers illégaux (SACEM, SNEP, IFPI et j’en passe de nombreux). Cela s’apparente cependant un peu à tenter de retenir de l’eau dans un panier à salade… Se reposer dessus, en tous cas aujourd’hui, est suicidaire. Alors on peut peut-être essayer de prendre le problème dans l’autre sens.

Analysons un peu les choses. D’abord Gilles n’est pas un cas isolé, malheureusement, et même au contraire, c’est plutôt un cas général. On peut pleurer, mais n’empêche, c’est comme ça. Ensuite, ce n’est pas non plus vraiment une surprise dans la mesure où le piratage sur le net ne date pas de cette année. La surprise vient peut-être du fait qu’il s’agisse ici d’un genre disons mineur, le jazz caribéen, que l’on pourrait croire à l’abri car hors des canons des tubes du moment. Mais non, la règle s’applique à tous. Avec des différences de quantité – et s’il s’était agi de ragga ou de r’n'b on en serait peut-être à 200.000 ou plus…

Une chose est sûre, vouloir empêcher le piratage de façon ferme et définitive est une utopie. Cela fait des années que l’on vend légalement aux internautes les outils et les moyens pour surfer et télécharger de plus en plus vite, et tout d’un coup on essaie de leur dire que, mais au fait l’utilisation n’est pas légale ? Il fallait peut-être y réfléchir avant, non ? Tout le monde sait par ailleurs que HADOPI ne sert pas à grand chose (du moins en l’état actuel), si ce n’est à stimuler la recherche de solutions encore plus efficaces d’anonymat et de contournement sur Internet : impossibilité de surveiller la totalité des fichiers échangés, adaptation uniquement au peer-to-peer qui n’est qu’une goutte d’eau dans l’océan des possibilités techniques offertes par le web aujourd’hui (et hors du web d’ailleurs), volet uniquement répressif avec en plus des questionnements sur la validité juridique des sanctions, de leur mise en œuvre etc. (oui, il y a les fameux « labs » de HADOPI, mais bon, franchement, vous y croyez, vous ?). Par ailleurs, la rapidité de développement de nouvelles solutions techniques de contournement n’a aucune commune mesure avec la vitesse d’adaptation et de mise en oeuvre d’une quelconque HADOPI. Enfin, petit rappel, il s’agit d’une loi française qui ne gère pas ce qui se passe ailleurs dans le monde, sur des marchés d’une autre taille, en Inde, en Chine, au Brésil…

Mais revenons aux artistes. Comme certains commentaires l’ont souligné sur la page FB où Gilles Rosine se plaint de ce vol, 20.000 téléchargements, c’est une sacrée renommée, inutilisée en l’occurrence, ce qui est dommage… Faisons l’hypothèse que le téléchargement illégal n’existe pas, pensez-vous que Gilles, avec toute l’amitié que je lui porte, aurait vendu 20.000 CD de jazz caribéen instrumental ? Même si j’aimerais que ce soit possible, je ne le pense pas. Raisonnablement dans ce créneau, on peut envisager un grand maximum de 3.000 disques et encore, au moins sur un an, avec une promo d’enfer aux Antilles et en métropole et avec une chanteuse sexy sur la couverture. C’est probablement encore moins en fait, mais bref… Donc on est largement au-dessus des ventes probables, mais on a bien la réalité de 20.000 téléchargements. Alors ? Ne fallait-il pas anticiper au montage du projet (et en fait, il n’est probablement pas trop tard) ? Avoir pris conscience que les modèles économiques de la musique ont profondément changé ces dernières années, en particulier à cause de ce qui est exposé ci-dessus (Chris Anderson – The Long Tail, Mike Masnick – the Future of Music Business Models) ? Aujourd’hui, vouloir protéger à 100% ce qui est copiable est impossible. En revanche 1- on peut utiliser ce piratage (au moins dans une certaine mesure) et 2- il faut vendre ce qui n’est PAS copiable ! Voici quelques pistes, un peu en vrac et certainement pas exhaustives :

• Mettez vous-même votre musique en téléchargement sur une plateforme où vous pouvez choisir le prix de vente, très bas ou éventuellement même gratuit, en échange au moins d’une adresse mail. Et constituez-vous une mailing list d’auditeurs motivés, prêts à recevoir et lire votre newsletter et à vous suivre.
• Sur cette plateforme, vendez plus que la musique. Ajoutez un livret détaillé, placez de la musique en haute qualité audio et non pas le tout venant des mp3 à 128kbps pour les auditeurs sans oreilles, ajoutez une photo originale…
• Vendez des places de concert à tarif réduit à ces « pirates », proposez-leur la possibilité de vous rencontrer lors d’un prochain concert, n’importe quoi qui les rapprochera de vous, leur montrera que d’une certaine manière, comme mélomanes et fans, ils sont privilégiés.
• Vendez physiquement des éditions limitées de votre musique, avec dédicace, avec un « truc en plus » qu’on ne peut pas trouver sur le net… je vous laisse avoir vos propres idées.
• Faites la promotion de vos concerts, et là, en fin de soirée vous vendrez vos disques physiques dans les meilleures conditions possibles (public conquis et meilleure marge possible pour l’artiste puisque sans intermédiaire). L’expérience du concert n’est PAS copiable. D’ailleurs, je vous ferais remarquer que le disque et la reproduction strictement exacte de la musique ne sont qu’un avatar récent – une grosse centaine d’année – car avant cela, la musique, la vraie, celle de l’émotion a toujours été uniquement vivante, et jamais deux fois identique !
• Soyez présents sur le net et les réseaux sociaux. Je veux dire, soyez-y VRAIMENT présents ! Pas seulement, j’ouvre une page FaceBook et c’est gagné. Non. Écrivez, discutez, répondez à vos fans. Là encore, vous « vendez » l’accès à vous, la proximité, le privilège (et oui, ça flatte, c’est la nature humaine, mais ce sont aussi souvent de vraies et belles rencontres avec de vrais amateurs).
• Montez aussi un vrai site web « à l’ancienne », mais surtout à votre image, facile d’utilisation et où les décideurs et organisateurs de spectacles trouveront en un clic LA bonne information sur vous. N’oubliez pas que sur le net, vous êtes en concurrence directe avec le monde entier, pas seulement avec les gars du quartier… Donc vous êtes comparés au monde entier, ce qui oblige sinon à l’excellence, du moins au minimum au professionnalisme.
• Aujourd’hui, c’est toute une école de pensée qui réfléchit autour de ces nouveaux concepts avec comme idée maitresse qu’il ne faut plus (seulement) vouloir vendre le contenu, mais gagner de l’attention et vendre l’accès au contenu (Gerd Leonhardt, The Future of Music – Borey Sok, Musique 2.0 – Andrew Dubber, New Music Strategies…) [comme toujours, à lire en sachant aussi prendre du recul].

Voilà quelques premières idées, et il y en a des dizaines d’autres dans le domaine. Les vôtres sont certainement encore meilleures et originales. Une chose est sûre, il n’est jamais trop tard pour se tourner vers elles. Par ailleurs elles ne sont pas exclusives et n’empêchent bien sûr pas de continuer à tenter de suivre l’ancien modèle en parallèle. Mais la philosophie générale consiste à transformer ces « pirates » motivés et mélomanes en fans actifs et porteurs de votre musique, en un noyau de public sur lequel vous pouvez compter. Le résultat devrait logiquement être une hausse du piratage de votre musique (si, si !), mais dont vous n’auriez que de moins en moins à vous soucier, puisque proportionnelle à une hausse de vos revenus. Ceci dit, il faut en être conscient, c’est un travail énorme, de tous les jours, souvent de fourmi et parfois un peu désespérant probablement, pour un résultat qui dans la majorité des cas sera acceptable mais pas mirobolant. C’est cependant à mon avis aujourd’hui, le seul qui prenne en compte les nouvelles règles du marché.

Faut-il pour autant oublier le côté légal ? Certainement pas ! En revanche, prendre les choses à rebrousse poil comme HADOPI et avec des outils inadaptés n’est pas la meilleure idée du moment (mais politiquement cela permet d’afficher que l’on fait quelque chose). Pour faire bonne mesure, on sort aujourd’hui la Carte Musique … Elle finance 50% d’un budget d’achat de musique en ligne de 50 euros. Mais elle ne s’adresse qu’aux 15-25 ans et elle s’appuie sur les offres déjà existantes d’iTunes et consorts, et n’améliore donc pas la diversité culturelle. Peu de chance qu’elle profite beaucoup à Gilles Rosine, alors qu’en revanche Lady Gaga…

De nombreux sondages (ici par exemple, et là également) montrent à l’inverse que les internautes seraient prêts à accepter une hausse raisonnable de leur abonnement Internet pourvu qu’ils puissent en échange télécharger légalement les œuvres culturelles de leur choix n’importe où sur le net (et oui, cela concerne également le cinéma et les livres !). Et donc, même sur un site niche très spécialisé dans un genre oublié des grandes plateformes… Une solution de licence globale serait donc à terme largement acceptée. En revanche cette solution ne plait pas aujourd’hui à tous les maillons de la chaine et les obstacles à sa mise en place sont nombreux. On entend par exemple souvent dire que la répartition des droits qui en découlerait serait impossible à réaliser – et donc ceci conforte l’idée selon laquelle aujourd’hui HADOPI, qui prétend surveiller tous ces échanges en est bien incapable – mais il s’agit probablement surtout d’une question de volonté politique, et de passer par-dessus les lobbies des grandes industries et des artistes les mieux représentés qui touchent certainement plus que leur réelle part dans la redistribution des droits… Il s’agit également de sauver une industrie du disque physique qui n’est plus en prise avec la réalité du marché, mais refuse de se transformer. On touche également à des débats sensibles comme ceux autour de la neutralité du net, à la vie privée des internautes mais dont la difficulté ne doit pas empêcher d’en discuter. Est-ce donc une raison pour arrêter d’y réfléchir et voir dans quelle mesure les outils en particulier informatiques, dont nous disposons aujourd’hui et qui sont chaque jour un peu plus performants, ne pourraient pas être utilisés dans cette optique ? A mon avis, c’est tout le contraire.

Allez Gilles ! Hauts les cœurs ! On y retourne !! Et n’oubliez pas d’acheter « Madin’Extension » !!

Graphisme par Schmock